作曲 (Composing) 入門

本文嘗試對「作曲」做一個入門級的介紹，提供給有興趣的樂友參考。

作曲是一種創作活動，就像在時間的畫布上隨手塗鴉----人人都能參與其中。雖然業餘愛好者與專業音樂人之間在成果上可能存在很大差異，但這並不是不能嘗試作曲的理由。

作曲的第一步，是先讓音樂「發出聲音」。這可以透過哼唱，或使用樂器來實現。

若選擇樂器，最好使用「複音樂器」----能同時彈奏多個音符的樂器。只有單音的旋律往往顯得單調，而複音樂器能更方便地創作和聲。

常見的作曲樂器包括鋼琴與吉他。不過，最重要的仍是對樂器的熟悉度，而不一定要侷限於這兩種。

就個人經驗而言，若是先彈旋律、再補和聲，鋼琴會更直觀。鋼琴的音符排列線性、音域寬廣，可以同時兼顧旋律與和聲。即使不會彈奏鋼琴，也能用它來作曲，只是輸入音符的效率會稍低。

然而，若是用哼唱來構思旋律、再用樂器補和聲，吉他反而會更好上手。雖然吉他的音符排列較為非線性，需要設計指法，但對熟悉吉他的創作者來說，直接配上和聲相當自然。

作曲前，可以先確立一個主題。不論是心理狀態、日常生活、社會事件，或是任何抽象概念，都能成為創作的起點。選擇主題的目的，是幫助自己進入心流狀態，讓旋律更容易自然浮現。

需要注意的是，初學者常會遇到「心中的主題」與「實際寫出的音樂」之間存在落差。這是非常正常的現象，不必過於焦慮。隨著作曲經驗累積，這種落差會逐漸縮小。我們會在下一節進一步討論這個議題。

除了構思旋律之外，思考曲子的「風格」也十分重要。風格會影響音樂的多個面向，包括 調性、和聲、節奏、配器 等等。

雖然每首曲子都是獨特的，但對初學者來說，常常會希望能寫出「類似某首作品」或「符合某種曲風」的音樂。這時候，目的性聆聽 就很有幫助。你可以透過閱讀樂譜、或參考他人整理的曲風分析，來理解該風格的音樂特徵。

需要注意的是，作曲時不能直接抄用他人的旋律或歌詞。但使用相同的調性、和弦進行或配器則完全沒有問題。事實上，曲風的形成就是因為作曲者刻意選擇了某些音樂要素並反覆使用，進而建立出辨識度。

確立曲子的結構，可以讓音樂更有整體感，也能幫助聆聽者更容易理解。此外，結構還會影響歌曲的長度與起伏。

以流行音樂為例，常見的段落大致分為兩類：

一首典型的流行歌曲結構，可能長這樣：
intro → verse 1 → verse 2 → chorus → bridge → chorus → outro

這裡的例子只是參考。對初學者來說，不必一開始就寫出完整的長曲子，即使只完成「verse + chorus」的雛型，也是非常好的開始。

有時候靈感就是卡住了，旋律怎麼也想不出來。這時可以嘗試換個角度，用其他音樂要素來啟發旋律。

旋律完成之後，下一步就是為它加上和聲。

初學時，不需要馬上寫完整的伴奏，只要在每個小節標上對應的和弦代號即可。這樣的簡化方式，就是所謂的「功能譜」（lead sheet）。

功能譜就像是整首曲子的骨架----一旦有了旋律與功能譜，基本上就算完成了作曲。至於更細緻的伴奏與配器，則屬於「編曲」的範疇，可以留到之後再處理。

以琴子的習慣來說，常常在寫完旋律或標好功能譜後，會先把曲子暫時擱著。等過一段時間，再依照曲子帶給我的感覺去決定配器與伴奏。這些工作完全不需要急著在同一天完成。

配器與伴奏的安排，其實更接近「編曲」的範疇，而不一定是作曲的核心。對多數創作者來說，不需要在最初就決定所有配器細節，只要先完成功能譜，之後再慢慢補上即可。

不過，也有例外情況。例如：
若是專門為打擊樂作曲，就很難完全忽略樂器特性，只單純寫節奏。因為每種樂器的音色、延音、敲擊方式，都會直接影響最終的音樂效果。

除此之外，不同的配器也會讓同一段旋律呈現出完全不同的氛圍：

因此，雖然配器不是作曲的第一步，但它能極大地影響曲子的最終樣貌。等到旋律與功能譜完成後，再依照想要傳達的感覺去選擇配器，就是最自然的做法。

作曲沒有固定的先後次序，只要作品在音樂上是合理的，就是一首成立的曲子。
隨著經驗累積，每位創作者都會逐漸發展出最適合自己的流程與方法。

因此，不必過度糾結「一定要先旋律、還是先和聲」，或「要不要一開始就考慮配器」。嘗試不同的做法，找到能讓自己最自然進入心流的方式，就是最佳的創作途徑。

🎵 每個人的作曲之路都不一樣，重要的是開始動手，邊做邊找到自己的方法。